BALLARD: HELLO AMERICA

Casi cien años después de una crisis energética que provocó una emigración masiva, llegan a Estados Unidos los tripulantes del Apollo, un barco europeo que pretende descubrir el origen de una nube radioactiva que ha atravesado el Atlántico.

Entre las ruinas de un continente transformado en desierto, los expedicionarios hallarán inquietantes pobladores y vestigios del pasado.

Al final del camino, 46 presidentes de Estados Unidos, Frank Sinatra y Charles Mason los esperan en un escenario fantasmagórico en la ciudad de Las Vegas.

A partir de todo ello, redescubrirán el sueño (y la pesadilla) americano.

Fiel a su voluntad de inscribir la ciencia ficción en la literatura de compromiso, Ballard construye una densa realidad futura de estremecedora verosimilitud mientras recrea el viaje interior de unos personajes cegados por la ambición pero también inmersos en una angustiante búsqueda de la propia identidad.

Una novela de un autor de brillante imaginación y prosa donde tal vez nos veamos incómodamente reflejados.

BALLARD: EL DÍA DE LA CREACIÓN

En la árida y convulsa Port-la-Nouvelle, capital de una remota república centroafricana, el doctor Mallory se ve obligado a clausurar la clínica de la OMS que dirige.

La fantasía de descubrir un nuevo Nilo para reverdecer el Sahara convierte al británico en un hidrógrafo e ingeniero aficionado que emprende una obsesiva búsqueda de auga.
Prodigiosamente, de la tierra ocupada por un viejo roble brota una fuetne que pronto devendrá en un río colosal. La zona florece, proliferan los pájaros y las bestias.
Con acrecentado empeño, Mallory remontará el caudal a fin de desentrañar el misterioso origen de lo que él considera su propia creación.

Novela de aventuras o alegoría erótica, esta fábula del siglo XX nos traslada al corazón de los conflictos que sacuden el África subsahariana en una sinuosa odisea donde la lógica delirante hace del sueño una viciosa pesadilla.

Según el New York Times: "Una vez más, Ballard exhibe los poderes alucinatorios que sus admiradores esperan siempre de él: escena tras escena de brillante calidad, y una osadía que está constantemente acompañada por una tenaz inteligencia".

J. G. BALLARD

James G. Ballard nació en Shangai en 1930.

Durante la 2ª Guerra Mundial fue recluido en un campo de concentración japonés. Esta circunstancia, que años más tarde se encargó de relatar en su novela EL IMPERIO DEL SOL, le ha proporcionado gran fama a nivel general, puesto que Steven Spielberg la llevó al cine en 1986.
En 1946 se trasladó a Inglaterra, donde estudió medicina, aunque nunca llegó a terminar la carrera.

Empezó a publicar sus primeros relatos en 1956, con el denominador común de la descripción de un futuro cercano en el que se da gran importancia al entorno como influencia decisiva en el carácter de los personajes. Estos relatos se recopilaron en la antología VERMILION SANDS.
Su obra es considerada como una exploración del espacio interior y es cada vez más apreciada por la crítica y por el público en general.
Sin embargo, dentro del mundo de la ciencia ficción se limita a cierta élite interesada en su gran calidad literaria y, en ocasiones, a su experimentación lingüística. Él mismo se ha calificado de terrorista literario, y como muestra más clara de esta afirmación están sus novelas CRASH (adaptada al cine en 1997 por David Cronenberg) y LA EXHIBICIÓN DE ATROCIDADES, novelas de un lenguaje duro en las que no se hace ninguna concesión al lector.

Entre el resto de su producción cabe destacar una serie de novelas del género catástrofe; estas son EL VIENTO DE LA NADA, EL MUNDO SUMERGIDO, LA SEQUÍA y EL MUNDO DE CRISTAL. En estas novelas, donde predomina el esteticismo, se exploran los sentimientos de los protagonistas en mundos arrasados por los cuatro elementos: viento, agua, fuego y tierra.
Otras dos novelas en las que Ballard profundiza en el grado de degeneración que puede alcanzar el hombre civilizado son RASCACIELOS y LA ISLA DE CEMENTO. En la primera, un moderno edificio de apartamentos cae en la más absoluta barbarie cuando empiezan a fallar los servicios de mantenimiento, y en la segunda un automovilista tiene un accidente, yendo a parar a una extensión de tierra limitada por varias autopistas de la que se ve imposibilitado para salir convirtiéndose en un moderno Robinson urbano.
Según Susan Sontag, Ballard es una de las voces más importantes e inteligentes de la ficción contemporánea.

COMPAÑÍA DE SUELOS ILIMITADA fue considerada por Anthony Burgess como una de las 99 mejores novelas inglesas del siglo. Probablemente, sea el autor más representativo de la New Wave inglesa, aunque sus relatos no tengan la amenidad de otros autores británicos, como Aldiss o Brunner.
Ballard vive actualmente en Shepperton, Inglaterra.

SOBRE DEATH PROOF

A Tarantino le gusta repetir equipo, y autohomenajearse. Para colmo, junto con Robert Rodríguez ha creado un mundo propio en el que los personajes van reapareciendo una y otra vez.
Por ejemplo el ranger Earl McGraw, que interpreta Michael Parks. Que muriese en "Del crepúsculo al amanecer" no ha evitado que hayamos vuelto a ver al personaje en "Kill Bill", o incluso le hayamos visto junto a su familia en "Planet Terror". Tanto él como su hija Dakota (que interpreta Marley Shelton) volverán a aparecer en "Death Proof", y junto a ellos aparecerá otro miembro de la familia, Edge (interpretado por James Parks, el hijo de Michael) a quien también vimos en "Kill Bill".

No son los únicos actores que se repiten de "Planet Terror". La mismísima Rose McGowan (con nuevo personaje y look) también vuelve a aparecer en esta mitad de Grindhouse, al igual que las alocadas gemelas que interpretaban las sobrinas de Robert Rodriguez.
Y también está Jasper (Jonathan Loughran) un personaje que ya salía en "Kill Bill" antes de que la novia se despertase. Eli Roth, además de dirigir uno de los falsos trailers que acompañarán al DVD, realiza un cameo. Y Nicky Katt, que ya salía en "Planet Terror", tiene en "Death Proof" otro papel distinto. Al igual que Tarantino, que también ejerce de actor una vez más en la película…

En esta película Quentin Tarantino debuta en una faceta nueva para él. Lo hemos visto como actor, director, guionista, productor, y hasta hizo de montador en su primer cortometraje. Pero nunca hasta ahora había sido director de fotografía.
Tanto él como Robert Rodríguez quisieron encargarse de esta tarea en Grindhouse. Robert lo hizo en "Planet Terror", y Tarantino lo hizo en "Death Proof".
El reto de ambos era el mismo: envejecer la imagen, estropearla de forma que parezca que estamos viendo una copia gastada.
Tarantino nos lo explica: “Mi copia se construye como una especie de Frankenstein, a partir de diferentes fuentes. Así que un rollo puede ser un tanto mierdoso, gastado, sucio y luego otro rollo puede ser Technicolor. Esa es la sensación que busco.”

DEATH PROOF, sólo en cines

Finalmente, con muchos (muchísimos) meses de atraso, llega la última película de Quentin Tarantino a los cines porteños.

El proyecto nació como "Grindhouse", y estaba formado por dos películas de 40 minutos. La primera, dirigida por Robert Rodríguez, se llamó "Planet Terror". Y la segunda, a cargo de Tarantino, se llamó "Death Proof". Entre ambas películas, se introdujeron un par de trailers inventados que pueden verse en la versión DVD.

Lamentablemente, "Grindhouse" fue un fracaso de taquilla en Estados Unidos. Por esa razón, en muchas partes del mundo (incluyendo Argentina) se estrenaron los dos filmes por separado.

En enero llegó a la cartelera el filme de Rodríguez. Bastante bien, aunque no me pareció nada del otro mundo.

Este jueves ha llegado "Death Proof", de Quentin Tarantino... Un Quentin cien por ciento vintage, homenajeando a los filmes de bajo presupuesto de los años ´70, muy violentos, muy explosivos, muy sexuales. Una receta infalible para cualquier filme de Quentin.

¿Y de que trata Death Proof?
Por un lado tenemos a Stuntman Mike (Kurt Russell), un viejo rebelde cuya amplia cicatriz en la cara delata que tiene un pasado oscuro. Conduce un coche mastodóntico, que se convierte en un arma letal con la que sembrar el terror y acabar con la vida de las jovencitas que se crucen en su camino.
Por otro lado tenemos a Jungle Julia, una popular DJ, que ha salido a pasar una noche de diversión con sus dos atractivas amigas. Allá donde vayan, las cabezas se van girando a su paso mientras bailan y beben sin parar.
Ahora mezclemos a Stuntman y el grupo de Julia, y nada bueno puede ocurrir. Al menos, no para las chicas. Mientras ellas lo pasan en grande, el psicópata las vigila sentado al volante de su coche, y con el pie preparado para pisar el acelerador...

MAITENA I

MAITENA

Por Diego Accorsi

Una muy joven Maitena Burundarena ya estaba decidida a que el dibujo y el humor serían su forma de vida. Con un estilo propio, lejos de la anatomía clásica y el humor formal, llegó a convertirse en una prometedora historietista en los primeros años de la década del ´80. Y si bien el humor gráfico fue su primer amor, su corazón siempre estuvo con las historietas de aventuras. Su debut formal fue con una tira diaria autoconclusiva, “Flo”. La protagonista era una nena inteligente –al mejor estilo Mafalda- pero el hincapié estaba en su relación con los padres y los problemas de esa pareja, donde puede verse claramente el origen de lo que años después será “Mujeres Alteradas”.
Su segundo personaje tiene otras cualidades, “La Fiera”, creada para la revista SexHumor, era una mujer tan osada como fea, en cada “aventura”, La Fiera abordaba a un hombre distinto par tratar de tener sexo con él. Su fealdad volvía imposible el éxito, pero Maitena convertía esa derrota en un gag ingenioso que salvaba a esta mujer fulera y zarpada.

Luego pasa a la revista SexHumor Ilustrado, donde crea un nuevo personaje, esta vez un oficinista, “El Langa”, cuyas historias giran en torno a sus conquistas sexuales, con un tono más erótico. Esta historieta marcará una ruptura de estilo, ya que para las escenas más subidas de tono, Maitena se aleja del trazo simple del cartoon y busca la figura un poco más realista, con más fondos y una puesta en página más completa.
La transformación se completa en su siguiente personaje para la misma revista: “Coramina”, una historieta de neto corte erótico, sin remates graciosos, y ya con un dibujo figurativo. La protagonista es una hermosa mujer, y hay sexo, mucho sexo.
Con este estilo ingreso a Fierro, donde dibuja “Barrio Chino”, con guión de Martini, e “Historias por Metro” y otras historias unitarias con guión propio. Así descubrimos a una artista que llena de trabajo sus cuadritos, con fondos complejos, personajes profundos, tramas sutiles, no anclada en lo erótico sino en la aventura de cualquier grupo y factor.
Pero como ya las historietas cortas de autor no encuentran más un lugar donde encauzarse, Maitena acepta un nuevo desafío, una propuesta que le obliga a replantearse toda su obra, a volver a empezar de cero, a bajarse del under y enfrentarse a un público de mujeres alteradas: es una página semanal en la revista Para Ti, y de entrada sabe que, para contar historias de mujeres, no tiene que haber un único personaje. Ahora quiere poder hablar de todas las mujeres, de sus manías, sus gustos, sus diferencias, lograr que la lectora se identifique cada vez con alguna de esas mujeres de su página. Intentó lo más difícil, y poco a poco se convirtió en un éxito arrollador.

“Mujeres Alteradas” presenta a una artista que descubre –aún contra sus prejuicios- que es mucho más parecida a sus lectoras de lo que creía. Su estilo vuelve al humor gráfico simple y lineal, agudo y saga de aquella Flo y su observadora mamá. Todas sus experiencias, observaciones y delirios sobre las mujeres encuentran un resquicio para dejar pasar el humor y lograr la identificación con otras mujeres; y, quizás porque lo logra sin convertirse en una abanderada del feminismo, también con muchos hombres. La respuesta del público llega y Maitena pasa a ser de “una historietista de aventuras eróticas que lucha” a una estrella, mientras los anónimos personajes dibujados van cobrando volumen a base de esfuerzo y calidad.
Después vendrán “Curvas Peligrosas” y otros éxitos, pero es sin dudas “Mujeres Alteradas” la obra en la que encuentra su madurez.

PARÍS

Este mes, se conocerá en Argentina el último film del cineasta Cedric Klapisch: "París".

“Es la historia de un joven parisino quien se entera que tiene una grave enfermedad cardiaca y a menos que pueda tener un transplante su vida corre serio peligro. De a poco y visiblemente sus dias comienzas a cambiar, su mirada sobre las personas que lo rodean tambien. Es una pelicula de una rara intensidad y de una pertenencia remarcable. El film nunca decae sobre la gravedad de la intriga pero si la trata con moderacion, ofreciendo una sucesion de instantaneas de la vida cotidiana de los parisinos. Los personajes se unen y se separan, se observan y se inspiran en una escala de vida inevitable. Una realizacion muy al estilo del director Klapisch, que se entrega al corazon de sus personajes y donda la intriga principal se va hilvanando en historias particulares. Reflexiones sobre la vida, la enfermedad, la intereccion con otros, y a veces una critica sobre la banalizacion de la vida cotidiana. Todo canalizado sobre un escenario donde la ciudad de Paris juega otros rol principal dentro de la historia y se revela como catalizadora de emociones.”

Como dijera su director: "En Paris, quería estudiar la diversidad social y racial. Como ciudad, ha sido demasiado criticada, la gente insiste en criticarla. Quería hacer una instantánea del París de hoy y enseñar la inmigración y el aburguesamiento de la ciudad".

La historia es un auténtico mosaico, similar al Vidas Cruzadas de Robert Altman. Hay grandes actores franceses en el reparto principal, entre otros Juliette Binoche, François Cluzet, Zinédine Soualem y Romain Duris – que interpreta al protagonista. Todos los personajes fueron escritos teniendo en cuenta a los actores.

Dos links donde encontraras informacion adicional y podras ver un trailer de esta excelente pelicula:

http://cineuropa.org/interview.aspx?lang=es&documentID=80232
http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=18776056&cfilm=114860.html

SARGENTO KIRK Y ERNIE PIKE (1º PARTE)

SARGENTO KIRK Y ERNIE PIKE

Por JUAN SASTURAIN

“Sargento Kirk” y “Ernie Pike” tienen carácter fundante (aquí empieza algo que no había) y además una cualidad axial: marcan una línea divisoria y establecen un eje que atraviesan el conjunto de relatos argentinos y llega hasta hoy. Y lo hacen desde la historieta y desde la aventura, un soporte expresivo y un tipo de relato cuya importancia aun no ha sido reconocido dentro de nuestra narrativa contemporánea. Parece demasiado decir, pero creo que es así.

A los que éramos pibes en los años ´50, receptores y consumidores naturales de estas historias de cowboys y de guerra escritas por Héctor Oesterheld y dibujadas por Hugo Pratt, su lectura nos voló la cabeza. Literalmente. Y fue así porque no se parecían a nada de lo que podía leerse por entonces es en las revistas argentinas, ya fuesen historietas hechas acá o mejicanas, traducidas de los yanquis o traídas de Italia. Las historietas de Oesterheld y Pratt eran absolutamente originales. Incluso no tenían nada que ver con las esquemáticas aventuras del género –western, bélico, piratas- que solíamos ver por entonces en los cines, como estrenos o en el día de entresemana dedicado a “las tres películas de acción”.
Así es como tanto en las historietas como en el cine, los soldados de casacas azules y los blancos en general eran los buenos, y los indios gritones y salvajes eran los malos. Del mismo modo, los alemanes y los japoneses una misma compleja condición: sádicos, cobardes y traicioneros. Así de simple. Los chicos de diez a quince años no sabíamos qué era un “planteo maniqueo” y tampoco podríamos haber definido qué era el “realismo humanista”. Sin embargo, desde el día que leímos “Sargento Kirk” y “Ernie Pike” supimos empíricamente en qué consistía la diferencia.

Con todo esto quiero señalar que, por una cuestión generacional, durante una niñez y adolescencia que coinciden con los años que van de la llamada Revolución Libertadora a la caída de Frondizi, nos tocó acceder a la lectura de relatos excepcionales que escribía Oesterheld y dibujaba Pratt, o Solano López, Breccia, Arturo del Castillo. Pero como sucede con los autores que trabajan por canales marginales como la historieta y para receptores no calificados como los niños, la percepción de la excelencia (la mirada crítica y la apreciación cultural) se demora, a menudo, hasta que ese receptor primigenio accede a la posibilidad (por ende, a la formación) de dar cuenta de lo que experimentó. O cuando, por vía de las olas modernizadoras de influencia externa, esas formas marginales se ponen de moda y se convierten en objeto de experimentación o revaloración de las vanguardias hegemónicas de turno. Eso fue exactamente lo que sucedió con la historieta en Argentina, a partir de finales de los ´70 y sobre todo durante la década siguiente, hasta hoy.

SARGENTO KIRK Y ERNIE PIKE (2º PARTE)

SARGENTO KIRK Y ERNIE PIKE

Por JUAN SASTURAIN

“Sargento Kirk” y “Ernie Pike” (también podemos agregar “Ticonderoga”) son lo más importante que hicieron Oesterheld y Pratt entre 1953 y 1960, su período de colaboración efectiva. En términos artísticos, “Sargento Kirk” es más importante y significativo que buena; la maravillosa historia del renegado del 7º de Caballería fue un espacio y un momento (1953-56 en Misterix) de aprendizaje y experimentación para ambos. Oesterheld, como se ve en el largo primer tramo (“La caza del comanche” y “Hermano de sangre”) pensaba en términos literarios y escribía folletines, no guiones. De hecho, sus novelas basadas en estos mismos argumentos, publicadas en 1956, son mejores que estos originales. A su vez, y al principio, Pratt apenas podía ilustrar lo ya dicho y (se nota) se aburría la mayor parte del tiempo; sólo se entretenía y daba lo mejor de sí cuando podía dibujar acción, mover a los indios y a los soldados en el espacio de esas pequeñas estampillas.

Las virtudes y novedad revolucionaria de esa primera parte de la historia son demasiado ostensibles. El conflictuado Kirk va y viene del fuerte a la intemperie, de los indios a sus compañeros de armas, empujado por el deber y el sentimiento de justicia. Pronto, y no sin desgarramiento, descubrirá que en medio de una guerra injusta no hay lugar para él: terminará optando por el aislamiento en compañía que significa vivir en el ranch del Cañadón Perdido junto a sus amigos (Maha, el Corto y el doctor Forbes), muestreo ejemplar de marginados del sistema: un indiecito con su tribu diezmada, un reformado ladrón de caballos y un médico que opta por atender indios y no burgueses en Dallas… Todos con una biografía en claroscuro a sus espaldas y una aventura siempre por delante.

CARTA ABIERTA A MICKEY ROURKE

Hola, Mickey

Bueno, ya imagino cómo debés estar. Te robaron el Oscar. La verdad es que te lo merecías.
Pero qué se le va a hacer? Tenías a Sean Penn como rival. Así da gusto perder, con semejante rival, sobretodo después de la soberbia actuación que se mandó en "Milk".
Sos el ganador moral de la ceremonia, nadie lo duda. Todo el mundo presenció tu resurección. Y eso no es poco.
Eso sí, como admirador, quisiera decirte algo. Tenés una gran oportunidad por delante. Por fin llegó la posibilidad del regreso. Aprovechalo y disfrutalo, no lo echés a perder. Es ahora cuando tenés que elegir con inteligencia y paciencia los proyectos.
Me enteré que vas a encarnar al villano de la nueva "Iron Man". Buena elección, principalmente porque vas a estar acompañado por Robert Downey Jr. y en muchas de las películas de superhéroes (no en todas, pero sí en muchas) los villanos son los que acaparan toda la atención (pensemos por ejemplo en William Dafoe y Alfred Molina en "Spiderman", o sin ir más lejos, en Heath Ledger en la última de Batman).
Tambien supe que vas a hacer una película con Stallone. Hmm, tené cuidado con quienes vas a juntarte. Ahora estás en la cima otra vez, podés darte el lujo de trabajar con los grandes (sin desmerecer a Stallone, claro, que se esfuerza tanto).

Este es tu momento,
todos los que dudaban de tu talento tienen que callarse la boca,
te deseo toda la suerte del mundo
Leandro Bartoletti

Isidoro Cañones y el 12 de octubre

Dante Quinterno es un referente indiscutido de la historieta nacional. Más de una vez, ha sido comparado con Walt Disney.

Sus dos personajes más conocidos son Isidoro Cañones y Patoruzú, dos emblemas cuyas historias acompañaron a varias generaciones de argentinos.

Una de las primeras creaciones de Quinterno fue Julián del Monte Pío, un claro antecedente de Isidoro, no sólo por su parentezco físico, sino por su personalidad. Al igual que Isidoro, Julián era "padrino" de un cacique patagónico que había recibido a modo de "herencia" (¡!)

Hay un comic de este personaje publicado en octubre de 1930 que nos permite descubrir la ideología política de Dante Quinterno: Julián del Monte Pío, ese porteño atorrante y vividor, tiene que explicarle a Patoruzú el significado del 12 de octubre:

"¿Sabés que fecha es hoy, Patoruzú? El Día de la Raza, día grandioso en que todo corazón argentino baila de patriotismo. En este mismo día, hace una punta de años, nos descubrieron (...) Nos descubrieron brutos, más brutos que vos, y nos poblaron y nos civilizaron. Hoy, gracias a Don Cristóbal, somos un país, somos algo conocido en el mundo, somos un país progresista.."

Quinterno, al mismo tiempo, no puede disimular su apoyo al golpe de Estado que derrocó a Yrigoyen en esa época:

"Es por eso que todo argentino que tiene sangre de patriotismo en las venas, no debe faltar a la magna cita. Hoy, todo argentino debe concurrir a presenciar el desfile de los milicos que nos salvaron de la tiranía oficialista. Debemos ir a juntar todos nuestros corazones..."

Un documento interesante, sobre todo teniendo en cuenta la importancia que Quinterno ha tenido en la educación y la formación de miles de niños argentinos.

Con el paso de los años, Quinterno dejó a un lado a Julián del Monte Pío (ese personaje tan reaccionario y ultraderechista) para crear a Isidoro Cañones (un porteño apolítico).

Las ideologías políticas quedaron a un lado, y la historieta siguió adelante.

A principios de los ´70, Quinterno se tomó el trabajo de escribir un comic ridiculizando al Che Guevara. La historieta se llamó "El Che Isidoro", y fue tan polémica que la agrupación Montoneros terminó colocando una bomba en la editorial que publicaba el comic. Pero esa es otra historia...

NOCHE DE OSCARS

Faltan menos de cuarenta y ocho horas para la entrega de los Oscars.

Sé que a la mayoría de la gente no le interesa esta ceremonia frívola. Pero bueno, siempre me enganché con los Oscars.

Aquí va mi veredicto para la noche del domingo, espero acertar:

Mejor Película: Slumdog Millionaire
Mejor Director: Danny Boyle (Slumdog Millionaire)
Mejor Actor: Mickey Rourke (The Wrestler)
Mejor Actriz: Kate Winslet (The Reader)
Mejor Actor de Reparto: Heath Ledger (Dark Night)
Mejor Actriz de Reparto: Penelope Cruz (Vicky Cristina Barcelona)
Mejor Guión Original: Martin McDonagh (Escondidos en Brujas)
Mejor Guión Adaptado: Simon Beaufoy (Slumdog Millionaire)
Mejor Película de Animación: Wall-e

Espero acertar esta vez, porque el año pasado la erré en todas.

LEYENDO A CAMUS

Diego Miraski en la barra de un bar, busca algo en un libro. Se trata de “La peste”, de Albert Camus.
En realidad, si hablamos de existencialistas, Miraski siempre prefirió a Sartre, claro. Pero bueno, la cita que está buscando ahora es de Camus. Finalmente, la encuentra y lee en voz alta:

-"A los 30, se empieza a envejecer y hay que aprovecharlo todo. No sé si pueden entenderme".
Miraski termina arrojando el libro sobre la mesa. Sí, lo entiende perfectamente. Piensa en eso todos los días.

FROST / NIXON

"Si lo hace el presidente, no es ilegal"
Richard Nixon

Casualmente, en febrero se estrenan en Argentina dos filmes con muchos puntos en común: ambos están ambientados en los años ´70, ambos tienen temáticas políticas, ambos retratan a personas reales que fueron polémicas y marcaron una época. Ambos están nominados al Oscar en varios rubros, incluyendo Mejor Película.
La semana pasada presenciamos el desembarco de "Milk", la gran película de Gus Van Sant sobre Harvey Milk, un militante del movimiento gay de California que llegó a ganar las elecciones de San Francisco. Una historia sobre el coraje y la igualdad, una historia sobre la lucha contra los prejuicios, con una brillante actuación de Sean Penn.
Este jueves llega a los cines porteños "Frost/Nixon", de Ron Howard, donde retratan la escandalosa entrevista que el periodista David Frost le realizó a Richard Nixon en 1977. Para aquel entonces, Nixon ya había renunciado a la presidencia en medio del caso Watergate y esta entrevista era la excusa perfecta para exonerarse, justificarse e intentar volver a la política. Para los periodistas involucrados en la entrevista, era la oportunidad perfecta par darle a Nixon el juicio político que no tuvo.
Un film soberbio, que no hay que dejar pasar. Aquí les paso una breve reseña:

En los tres años siguientes a verse obligado a dejar la Casa Blanca, Nixon (Frank Langella) permaneció en silencio. Sin embargo, en el verano de 1977, el astuto y frío ex presidente aceptó conceder una única entrevista y contestar a preguntas acerca de su mandato y del escándalo Watergate que acabó con su presidencia. Nixon sorprendió a todos al escoger a David Frost (Michael Sheen) como confesor televisivo, seguro de que podría con el alegre presentador británico y se ganaría los corazones y las mentes de los estadounidenses.

El equipo de Frost no estaba seguro de que el periodista fuera capaz de llevar a Nixon adonde quería. Pero en cuanto empezaron a rodar, la batalla comenzó. ¿Podría Nixon eludir las preguntas acerca de su papel en una de las mayores vergüenzas sufridas por la nación? ¿Exigiría Frost respuestas claras del hombre que llegó al poder por ser el maestro de la evasiva?
Durante la entrevista, cada uno revela sus inseguridades, personalidad e inesperadas reservas de dignidad, para llegar por fin a una asombrosa exhibición de sinceridad. La película no sólo recrea la entrevista televisada, sino las semanas precedentes de negociaciones y maniobras entre los dos hombres y sus equipos, en las que se llegó a acuerdos y se revelaron secretos, hasta el momento cumbre en que ambos se sentaron ante la opinión pública.

MILK

Su vida cambió la historia, su valor cambió muchas vidas...

Cansado de huir de sí mismo, Harvey Milk deja un puesto ejecutivo en Wall Street para salir del armario y mudarse al barrio Castro, de San Francisco, con su compañero Scott Smith. Allí abre una tienda de cámaras que no tarda en convertirse en el punto de encuentro del barrio, cuyos vecinos no tienen otro lugar para reunirse en una época particularmente rígida.

Harvey se da cuenta entonces de que no son pocos y empieza a hablar por ellos. Se enfrenta a empresarios, sindicatos y políticos intolerantes. Sus victorias son cada vez mayores. Su valentía –recibe amenazas constantes– inspira a otros a seguir sus pasos. En su vida privada, empieza una destructiva aventura con Jack Lira, un joven que se agarra a él para sobrevivir.

La comunidad homosexual, que se siente unida y más fuerte, le elige para un puesto público y se convierte en el primer político abiertamente gay elegido en el país. Su mensaje de libertad y esperanza le crea muchos enemigos, y deberá enfrentarse a Dan White, otro concejal recién elegido en el ayuntamiento de la ciudad.

Harvey Milk fue asesinado en 1978.

Pero incluso después de su muerte, la voz de Harvey habla de la valentía de una generación que abrió una nueva época de tolerancia y entendimiento.

EL ORIGEN DE "FROST NIXON"

El dramaturgo y guionista Peter Morgan entró en contacto con el mundo de David Frost y de Richard Nixon en 1992. Vio un programa biográfico del presentador y le fascinó lo que David Frost había sido capaz de conseguir del famoso y astuto personaje en las famosas “David Frost entrevista a Richard Nixon”, emitidas en 1977. Tal como le dijo el guionista al periodista Richard Brooks en una entrevista publicada en el Sunday Times en julio de 2006 “me sentí empujado por la imagen de esos dos hombres.

El glamuroso Frost, a 15.000 metros en el aire, yendo de un lado a otro del Atlántico en el Concorde. Y Nixon, encerrado en una cueva y para quien la vida no era nada fácil”.

El dramaturgo y guionista empezó a estudiar a Richard Nixon y a su mayor, y quizá más inesperado antagonista, David Frost. El presentador, auténtico playboy de la televisión británica, apostó su credibilidad y su carrera a cambio de la oportunidad de obtener una confesión durante las entrevistas. El contraste de la vida de ambos intrigó a Peter Morgan, que estaba convencido de que la historia podía convertirse en una obra de teatro, siempre y cuando las entrevistas se presentaran como “una pelea entre gladiadores, con las palabras y las ideas como únicas armas”.

Peter Morgan empezó a documentarse: “Me di cuenta de que ambos campos se preparaban como lo hacen dos jugadores de ajedrez o dos boxeadores, había mucha estrategia. Pensé que sería posible redactar las escenas de las entrevistas con las palabras que usaron y darles un giro para obtener las subidas y bajadas de un auténtico enfrentamiento”. Al estudiar a los dos personajes, descubrió algo que le sería muy útil a la hora de escribir la obra: eran totalmente opuestos en cosas básicas. Explica: “Si se separa al Nixon ser humano del Nixon político, es imposible no sentir compasión por alguien para quien la vida en sí era difícil, la comunicación, la amistad... Al otro lado tenemos a David Frost, alguien para quien comunicar era innato, como lo era hacer amigos y caer bien. Nixon era todo lo contrario; no se fiaba de nadie, se sentía herido, es probable que no tuviera muchos amigos íntimos, no era feliz en su matrimonio, estaba solo”.

El dramaturgo también cree que el presentador, conocido por su ironía, humor y capacidad de adulación, era más capaz de lo que dejaba entrever: “Frost era muy inseguro intelectualmente”, dice. “No le tomaban en serio”. Y refiriéndose al entrevistado, subraya: “Hay algo que no puede decirse de Nixon, y es que fuera un estúpido. Tenía un gran intelecto”. Peter Morgan, con los ingredientes en la mano, empezó a entusiasmarse.

Cuando se emitió el especial, la clase política se dio cuenta del terrible poder de un primer plano y de la presión aplicada a Nixon para hacerle confesar. A partir de ese día, ya no se usó la pequeña pantalla para mandar mensajes, sino para ofrecer un paquete “personalidad más físico”, que a menudo sustituiría un discurso serio.
El poder del medio y su influencia en la política fascinó a Peter Morgan, que lo convertiría en el tema principal de la obra. El dramaturgo era consciente de que se examinaría el medio televisivo. Tal como dice, los dos hombres tiraron los dados y se jugaron el todo por el todo. Nixon confiaba en sus formidables dotes de negociador y estadista. Frost contaba con el don de hacer hablar a la gente y revelar lo que quizá no hubieran querido. Esos dos ingredientes garantizaban un buen programa.
Las entrevistas Frost/Nixon, según el guionista James Reston, “siguen siendo el programa político más visto en la historia de la televisión”, con más de 45 millones de telespectadores. Fue la última aparición televisiva de Richard Nixon antes de su muerte en abril de 1994.

Arthur Schnitzler (Viena 1862-1931)

"No es el exceso de confianza, sino la escasez de fantasía lo que hace tan difícil que el varón crea en la infidelidad del ser amado"

"Para aquel que alguna vez haya comprendido totalmente que es mortal, la agonìa ha comenzado ya".

A PURO PULMON

Este sábado 21 de febrero, a las 18 horas, se realizará el estreno del largometraje documental A PURO PULMÓN, junto con el cortometraje LA PIECITA, ambos dirigidos por Carmen Colino.

La cita es en Av. San Juan 1828

Los esperamos!

NIPPUR DE LAGASH

LA ESPADA Y LA PALABRA, por MARTIN CAPARRÓS

Era un sabio. No sólo era seductor, astuto, valiente, guerrero inmejorable, ganador sin alardes. Sobre todo era sabio. Y eso, supongo, lo distinguía de todos los demás. Además, Nippur venía de lejos: tenía la gran ventaja de pertenecer a tiempos y lugares improbables, donde todo lo que nos contaba era posible.
Los otros héroes de historietas solían ser medio chatos. Chicos superpoderosos que, en distintas formas, podían cualquier cosa. Superman es el modelo más evidente. Superman podía ver y escuchar todo pero, en última instancia, no entendía nada: no aprendía. Nippur de Lagash, en cambio, sabía convertir su experiencia en ideas, conductas, expresiones. Nippur no pasaba intacto por el mundo, no seguía siendo siempre el mismo. Sus experiencias lo marcaban, tanto que terminaron por costarle un ojo de la cara.
A partir de la mitad de la historia, Nippur fue el tuerto al que una flecha le había arrancado el ojo izquierdo. Eso lo hizo más reflexivo, más interesante. El héroe era falible y dudaba y aprendía.
Nippur era un sabio pero también era un (gran) guerrero. Nippur ponía en escena la idea de que saber y proezas físicas no estaban disociados (Mens sana in corpore sano). Pensemos que Nippur se empezó a publicar en los ´60, cuando muchos pensaban que el conocimiento y la violencia funcionaban bien juntos. En la base de casi toda militancia de la época, la idea de que el conocimiento llevaba a la práctica (violenta, si acaso) y que esa práctica a su vez alimentaba ese conocimiento: la famosa dialéctica entre la acción y el pensamiento. Nippur era un militante un poco raro.
Nippur era un individualista. La época favorecía lo colectivo, lo común (en el mejor sentido de la palabra, la idea de que la vida de cada uno no pude ser satisfactoria si la vida de los demás es un desastre y que, por lo tanto, los colectivos debían buscar el bien de todos), pero Nippur era un héroe bien individual.

Era un mix muy corriente: el individualista redentor, el salvador heroico.
En eso, Nippur se parecía a otros héroes de su tiempo: Guevara, Bond, Jesús. Uno salvaría a los pobres del mundo, otro a las democracias occidentales, otro a los que le creyeran.
Nippur salvaba, más que nada, una cierta idea de la moral y la justicia: en la tradición del justiciero errante iba combatiendo tiranos y deshaciendo entuertos.
Nippur era un exiliado.
Para Nippur el poder siempre era sospechoso (y se fue haciendo cada vez más sospechoso a medida que lo fue conociendo). Y los poderosos que aparecían en sus historias eran siempre un poco despreciables: los reyes y los sacerdotes y grandes generales de sus historias eran taimados, ligeramente idiotas. Nippur los despreciaba con razones: él era un outsider que formaba parte, un dandy de antiguas monarquías.

Nippur se oponía al poder pero siempre estaba cerca de él: una especie de anarquista aristocrático, tan aristocrático que terminó siendo monarca.
Nippur fue, brevemente, rey. Casi por inconveniencia –hasta que lo dejó para seguir vagando. Pero en general combatía a los malos y tiranos sin esperar nada para él: por un trono que aceptó había rechazado siete u ocho.
No es que fuera un asceta: le gustaban las mujeres sinuosas, las canciones, una buena comida pero también un pedazo de pan a la luz de la luna, los amigos más que nada.
Las mujeres eran la gran aspiración, pero la realidad estaba hecha de amistades masculinas intensas, amorosas. En tiempos en que el tango no tenía mucha chapa, Nippur era muy tanguero. Como era claramente un tango Philip Marlowe, el detective de Chandler, el héroe más reconocible de la novela negra.
Nippur y Marlowe tenían un tono común: los dos contaban sus historias en primera persona con un dejo melancólico, tierno, distante y comprometido al mismo tiempo. Como Marlowe, Nippur siempre se estaba yendo a algún lado. Y a ninguna parte. Nippur se iba como quien ha decidido que nunca va a llegar. Nippur, antes de llamarse el Incorruptible, se llamaba el Errante.
Nippur es escasamente una historieta. Sus dibujos son una ilustración, no una de las dos formas que dialoga con la otra para armar una historia. Nippur son textos que, a lo largo de 25 años, fueron ilustrados por una docena de dibujantes distintos. Ningún personaje cuya imagen fuera decisiva había soportado tal manoseo.
Pero Nippur es sobre todo un nombre y una idea (y supo sobrevivir a todo eso). Aunque ahora parezca algo lejano, por suerte, la idea de que un guerrero puede ser un sabio no está moda en estos tiempos.

TOM CRUISE DEFIENDE A "VALKYRIE"

Tom Cruise aseguró no entender las reacciones negativas suscitadas por su nuevo filme, "Valkyrie", en el que el interpreta a un oficial nazi contrario a Hitler, y defendió la heroicidad de la película.
El actor afirmó que no se explicaba que alguien pudiese considerar una mala idea la exaltación de una "verdadera historia de resistencia heroica frente a uno de los mayores villanos que han existido. Supe que era importante en el momento en el que leí el guión. Es original y lleno de suspense", comentó el artista con respecto a la pequeña controversia surgida en algunos círculos de Hollywood.
El largometraje, que llegará a los cines porteños el jueves 12 de febrero, relata el complot de un grupo de ocho altos mandos del ejército alemán para acabar con Hitler y poner fin a la II Guerra Mundial. La operación, denominada Valkyrie, sufre un fatídico revés cuando se pone en marcha y la conspiración es detenida.
"Los guionistas Chris McQuarrie y Nathan Alexander son geniales y no tengo palabras suficientes para hablar bien del director, Bryan Singer. Lo conocí en el estreno de Mission: Impossible (1996) y siempre quisimos trabajar juntos desde entonces", declaró Cruise.
El actor no descartó volver a participar en una comedia después del éxito de Tropic Thunder (2008), en la que encarna a un horrible ejecutivo de cine, si la oportunidad se presenta, aunque confesó que sus intención en estos momentos es protagonizar un filme romántico.
"Estoy buscando una buena historia de amor y pienso que tengo una en un proyecto llamado The Tourist. Creo que haré esa película", anunció.

YA LLEGA "OPERACION VALKYRIA"

OPERACION VALKYRIA está basada en hechos reales. Cuenta la historia detrás del complot fallido del 20 de julio de 1944, el cual tenía como base la "eliminación" de Adolfo Hitler y la toma del poder a través de un plan de emergencia conocido como Operación Valkyrie (Unternehmen Walkure).

El complot del 20 de julio fue la culminación de los esfuerzos de la resistencia alemana para derrocar al régimen Nazi, tomar el gobierno, hacer la paz con los aliados y terminar con la guerra. El fracaso en el asesinato de Hitler y en la toma del poder llevó al arresto de unas 7.000 personas por la Gestapo, de las cuales 4.980 fueron ejecutadas (lo que acabó con el movimiento de resistencia).

SÁBADO 14: HERMANOS LIMON

Estimados amigos:

Luego de nuestras agitadas vacaciones (ver http://www.hermanoslimon.blogspot.com/ para mas informacion) regresamos imprevistamente para un show de ultimo momento!

Nos cayo encima cual baldazo durante serenata nocturna!!!

Los esperamos!!! Podran apreciar mi bronceado estival!!!

Se viene nuestro primer LP!!!

Abrazo

Fede "Solo" Limon

www.myspace.com/hermanoslimon

http://www.hermanoslimon.blogspot.com/

WOODY ALLEN LO HIZO DE NUEVO

Cuando muchos anunciaban la muerte artística de uno de los más grandes creadores de la historia del cine (o de la historia), cuando parecía que todo estaba perdido, Woody Allen volvió a las andadas con una gran película.

Una historia de amores encontrados y desencontrados. Un elenco notable, encabezado por un Javier Bardem en su mejor momento. Scarlett Johansson está increíble como siempre; tan diáfana, tan cautivante. Penelope Cruz ha alcanzado el mejor papel de su carrera. Y Rebecca Hall (la desconocida del grupo) es toda una revelación.

No es la mejor película de Woody, como escuché decir por ahí. Pero está muy bien. Es intensa, original, creativa, impredecible y divertida.

Tendremos a un buen Woody Allen en los próximos años, seguramente. Sobre todo teniendo en cuenta que su proyecto estará protagonizado por Larry David, el co-creador de la serie "Seinfeld". Esperaremos, ansiosos, hasta el 2010 para conocer los resultados.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=wyicdZ8CV_4

CONVERSACIONES CINEFILAS 01

GUSTAVO REJAN: "El curiso caso de Benjamin Button", que buena! Cómo sabe este Fincher. Se puso con todo (por ahi se excedió un poquito con el tiempo, para mí, lo único para criticar) Otro que filma excelente!

Se viene otra potente para la semana que viene: Valkiria . Dirigida por otro monstuillo Bryan Synger (se escribe así creo, nunca me acuerdo) Dicen que vuelve a contar como nunca (tipo en "Los sospechosos.... y con la experiencia de los X-men)
Vamos a ver, los avances venden como loco.

LEANDRO BARTOLETTI: La película de Fincher es increible. Brad Pitt se está llevando todos los laureles por su actuación, que está muy bien, pero lo que más disfruté de la película fue la actuación de Cate Blanchett, esa mina es muy grosa.
Se nota que la escribió el mismo guionista de "Forrest Gump": reemplazó la pluma que vuela por el aire por un colibrí.
Lo demás, impecable. Fincher tiene un ritmo admirable.
El trailer de Valkirya viene muy bien. Igual trato de no ver esos trailers porque te cuentan casi toda la película en cinco minutos. Deschavan todo.
Synger tambien es un groso, esperemos que se recupere después de "Superman Returns", que no me gustó nada.

GUSTAVO REJAN: Tenès razòn! La ùltima de Superman! Horrible! (Ojo para lo que es él, si la hago yo soy un genio, je!) yo creo que cuando son tan superproducciones perdès el control de todo. Ya lo dijo Francis Ford, no es una frase nueva.
Aparte: Si te gusta la Blanchett: Viste "Premonición" de Sam Raimi? (capo Sam también) y "Elizabeth" las 2, la ùltima mejor, la dirigió un Hindú MB)

Seguimos: Y los avences tambièn te pueden engañar. Si me habrè clavado y puteado al director de avances que me la vendiò y yo comprè! ja

LEANDRO BARTOLETTI: Ya que estamos, ayer vi "Vicky Cristina Barcelona". La verdad es que Woody Allen volvió con todo. No es la mejor película de Allen, como escuché decir por ahí. Pero puede entrar en el Top Ten.

GUSTAVO REJAN: Con respecto a la de David Fincher: Por supuesto, muchos dijeron que el colibrì es un homenaje a la plumita de Forest (el mismo guionista tambièn, auto homenaje?)
Me pareciò pintoresco un colibrì en alta mar. Dado que el capitàn, les contaba a los borrachines rusos del bar, la forma de volar, los latidos del corazòn y que habìan sido filmados en alta velocidad, descubriendo asombrosamente que las alas se mueven en forma de ocho. Lo narraba con tanta pasiòn y conocimiento (con la pausa de un soviet oficiando de traductor incluìdo) que me pareciò "excelente", cuando Pitt arroja el salvavidas al agua y aparece nuestro pajarraco, de la nada, en honor al caìdo capitàn.
Lo que no me cerrò es: porque a Blanchett, agonizando, le aparece el colibrì? Si ellos nunca hablaron (que yo recuerde) de alguno, ni èl le mencionò, en ningùn momento, aquèl encuentro màgico con el ave en alta mar.
Ojo que no estoy criticando. Sòlo es un comentario. No me gusta criticar pelìculas, porque sè, lo difìciles (en menor ò mayor medida) que son hacerlas.

AL PACINO

No sé, últimamente siento que estoy en un vacío. Uno espera que pase algo que desate la imaginación, que la encienda, que en cierto sentido le permita hacer una conexión. Ya no se trata del resultado.

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

"Mi nombre es Benjamin, Benjamin Button, y nací en circunstancias inusuales: mientras todos los demás envejecían, yo rejuvenecía… completamente solo".

Así comienza “El Curioso Caso de Benjamin Button”, una adaptación de la historia de los años 20 del siglo pasado escrita por F. Scott Fitzgerald y que trata de un hombre que nace con ochenta años y va rejuveneciendo con el tiempo: un hombre que, como cualquiera de nosotros, no puede parar el tiempo. Desde la Nueva Orleans de finales de la Primera Guerra Mundial hasta el siglo XXI, en un viaje tan inusual como la vida de cualquier hombre, esta película cuenta la gran historia de un hombre no tan ordinario y la gente que va conociendo por el camino, los amores que encuentra y que pierde, las alegrías de la vida y la tristeza de la muerte, y que perduran más allá del tiempo.

Dirigida por uno de los creadores más originales y potentes de los últimos años (David Fincher), protagonizada por un actor que ya alcanzó su etapa de madurez y nos sorprende en cada toma (Brad Pitt) y una de las actrices más talentosas y hermosas de las últimas décadas (Cate Blanchett). Imperdible.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=hmIJx0tk6fk

EL BOULEVARD DE LOS SUEÑOS ROTOS

Al igual que hiciera en "American Beauty", Sam Mendes vuelve a ahondar en los conflictos existenciales de la sociedad norteamericana, en este caso, adaptando la novela de Richard Yates "Revolutionary Road", escrita en 1961.

Sin embargo,bien podría ser la historia de una pareja cualquiera de no importa qué lugar. Porque, aunque continuemos engañándonos, "el sueño americano" es un reflejo de la sociedad que hemos elegido,y que empezó a ser algo nuestro desde el triste momento en que se erigió como paradigma de la felicidad.

Unos primeros flashbacks nos presenta a la pareja. Nos muestran el día en que se conocieron. Eran jóvenes, felices, llenos de sueños... Quizá Mendes nos quería mostrar el "antes", para que entendiéramos mejor el "después", porque son los únicos momentos en los que podremos ver a la pareja feliz.

La película arranca con el estreno de una obra de teatro en la que April es la protagonista. El fracaso de la función será algo más que otro sueño roto, será el detonante de lo que vendrá.

En el camino de regreso a casa April y Frank mantienen una fuerte discusión y ya no habrá vuelta atrás. Ella no puede seguir con una vida que nunca ha sentido como propia, que se ajusta a ella como un traje a medida, pero que no le pertenece. Toda la infelicidad y tristeza que lleva dentro se instala en ella irremediablemente.

París se cuela en el filme en un guiño a la mítica frase de "Casablanca", como el lugar donde es posible empezar una nueva vida y construir nuevos sueños.

Una puesta en escena sobria, una buena ambientación, un guión impecable, pero sobre todo y por encima de todo, las magistrales actuaciones de Leonardo DiCaprio y una Kate Winslet.

Pocas veces se da una comunicación y una simbiosis tan profunda entre dos actores, se apoderan la pantalla.

Kate Winslet, maravillosa, te emociona y te revuelve las entrañas (no habrá premio que se la resista). Y Leonardo DiCaprio, soberbio. Interpreta, sin ninguna duda, el mejor papel de su vida.

El final es demoledor, impactante, desde luego buen abono para la reflexión.

Sólo se muestran actitudes, comportamientos, no hay dogmas ni consejos morales sobre "el bien y el mal". Cada uno deberá extraer sus propias conclusiones en este boulevard de los sueños rotos.

THE SPIRIT

A esta altura, Frank Miller es un artista que no necesita presentación. Su aporte a la historia del comic es inabarcable y notable. Fue el encargado de resucitar a Batman a mediados de los ´80 con esa obra maestra que fue "El regreso del Caballero Nocturno". También fue el autor de otros hitos de nuestra cultura como "Sin City", "Ronin" y "300".

La relación entre Miller y el cine es bastante reciente.
Hace unos años, Robert Rodríguez se propuso realizar la adaptación cinematográfica del comic "Sin City", convocando a Miller como co-director. El resultado fue asombroso, fiel a la estética blanco y negro del comic.
Después vino "Batman inicia", inspirada en la recreación que Miller había realizado sobre el hombre murciélago, y poco después llegó la versión cinematográfica de "300".
Hasta acá todo bien, el problema es que Frank Miller se propuso dirigir su propia película y el resultado ha sido una catastrófica desilusión.
La adaptación cinematográfica del comic "The Spirit" (un clásico de los años ´40, creado por el legendario Will Eisner) deja mucho que desear.
Miller intentó utilizar la misma estética y los mismos efectistos de su propia "Sin City" para recrear un comic que originalmente no tiene nada que ver con el estilo de Miller.
Digamos las cosas como son: "The Spirit" es una película aburrida, infantiloide, carente de ideas.
Esta tarde, Divi me envió un mail diciendo: "A los 10 minutos quería, literalmente, asesinar a Miller, quería borrarle esa sonrisa que ponía en las entrevistas, haciéndose el gran director de cine. No solo demuestra que toda Sin City es obra de Robert Rodríguez, sino que no tiene ni idea de cómo hacer un traspaso, él solo, de una obra de cómic, ya que sus cómics, que fueron adaptados por otros realizadores, resultaron en estupendas pelis (300, Sin City, 30 noches de oscuridad)"
Y si, lamentablemente es así. Yo también tuve ganas de irme del cine apenas empezó la película. Me quedé porque quería ver las escenas con Eva Mendes, y nada más.
Espermos que Frank Miller se retire del cine y vuelva a sus orígenes (el comic). Sus fans estaremos eternamente agradecidos.